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Estética - filosofia.

Publié le 02/06/2013

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Estética - filosofia. 1 INTRODUCCIÓN Estética, rama de la filosofía (también denominada filosofía o teoría del arte) relacionada con la esencia y la percepción de la belleza y la fealdad. La estética se ocupa también de la cuestión de si estas cualidades están de manera objetiva presentes en las cosas, a las que pueden calificar, o si existen sólo en la mente del individuo; por lo tanto, su finalidad es mostrar si los objetos son percibidos de un modo particular (el modo estético) o si los objetos tienen, en sí mismos, cualidades específicas o estéticas. La estética también se plantea si existe diferencia entre lo bello y lo sublime. La crítica y la psicología del arte, aunque disciplinas independientes, están relacionadas con la estética. La psicología del arte está relacionada con elementos propios de esta disciplina como las respuestas humanas al color, sonido, línea, forma y palabras, y con los modos en que las emociones condicionan tales respuestas. La crítica del arte se limita en particular a las obras de arte, y analiza sus estructuras, significados y problemas, comparándolas con otras obras, y evaluándolas. El término "estética" fue acuñado en 1753 por el filósofo alemán Alexander Gottlieb Baumgarten, pero el estudio de la naturaleza de lo bello había sido una constante durante siglos. En el pasado fue, sobre todo, un problema que preocupó a los filósofos. Desde el siglo XIX, los artistas también han contribuido a enriquecer este campo con sus opiniones. 2 PRIMERAS TEORÍAS ESTÉTICAS La primera teoría estética de algún alcance fue la formulada por Platón, quien consideraba que la realidad se compone de formas que están más allá de los límites de la sensación humana y que son los modelos de todas las cosas que existen para la experiencia humana. Los objetos que los seres humanos pueden experimentar son ejemplos o imitaciones de esas formas. La labor del filósofo, por tanto, consiste en comprender desde el objeto experimentado o percibido, la realidad que imita, mientras que el artista copia el objeto experimentado, o lo utiliza como modelo para su obra. Así, la obra del artista es una imitación de lo que es en sí mismo una imitación. En su diálogo El Banquete indicaba la diferencia entre contemplar la apariencia de belleza y alcanzar la propia idea de lo bello. El pensamiento platónico tenía una marcada tendencia ascética. En otro de sus más famosos diálogos, La República, fue aún más lejos al repudiar a algunos tipos de artistas de su sociedad ideal porque pensaba que con sus obras estimulaban la inmoralidad o representaban personajes despreciables, y que ciertas composiciones musicales causaban pereza e incitaban a los individuos a realizar acciones que no se sometían a ninguna noción de medida. Aristóteles también habló del arte como imitación, pero no en el sentido platónico. Uno podía imitar las "cosas como deben ser", escribió, y añadió que "el arte complementa hasta cierto punto lo que la naturaleza no puede llevar a un fin". El artista separa la forma de la materia de algunos objetos de la experiencia, como el cuerpo humano o un árbol, e impone la forma sobre otra materia, como un lienzo o el mármol. Así, la imitación no consiste sólo en copiar un modelo original, sino en concebir un símbolo del original; más bien, se trata de la representación concreta de un aspecto de una cosa, y cada obra es una imitación de un todo universal. Para Aristótele...

« Aunque gran parte de la estética moderna surge, como se ha visto, del pensamiento alemán, éste también recibió la influencia de otras corrientes (por ejemplo, las ideas deLessing, representante del romanticismo, de los escritos estéticos del británico Edmund Burke). 4 ESTÉTICA Y ARTE Durante los siglos XVIII y XIX la estética permaneció dominada por el concepto del arte como imitación de la naturaleza.

Novelistas como los británicos Jane Austen yCharles Dickens, y dramaturgos como el italiano Carlo Goldoni y el francés Alexandre Dumas, presentaban relatos realistas sobre la vida de la clase media.

Los pintoresneoclásicos (como Jean Auguste Dominique Ingres), románticos (como Eugène Delacroix) o realistas (como Gustave Courbet) representaban sus temas extremando elcuidado en el detalle natural. En la estética tradicional se asumía también con frecuencia que las obras de arte son tan útiles como bellas.

Los cuadros podían conmemorar eventos históricos o estimularla moral.

La música podía inspirar piedad o patriotismo.

El teatro, por la influencia de Dumas y el noruego Henrik Johan Ibsen, podía servir para criticar a la sociedad y, deese modo, ser útil para reformarla. En el siglo XIX, no obstante, conceptos vanguardistas aplicados sobre la estética empezaron a cuestionar los enfoques tradicionales.

El cambio fue muy evidente en lapintura.

Los impresionistas franceses, como Claude Oscar Monet, eran denunciados por los pintores academicistas por representar lo que ellos pensaban deberían ver,bastante más de lo que realmente veían, como eran las superficies de muchos colores y formas oscilantes causadas por el juego distorsionante de luces y sombras cuandoel Sol se mueve. A finales del siglo XIX, los postimpresionistas como Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh estuvieron más interesados en la estructura pictórica y en expresar supropia psique que en representar objetos del mundo de la naturaleza.

A principios del siglo XX, este interés estructural fue desarrollado por los pintores cubistas como PabloRuiz Picasso, mientras que la inquietud expresionista se reflejaba en la obra de Henri Matisse y otros fauvistas, así como en expresionistas alemanes de la categoría deErnst Ludwig Kirchner.

Los aspectos literarios del expresionismo pueden verse reflejados en las obras del sueco August Strindberg y del alemán Frank Wedekind. En estrecha relación con estos enfoques, hasta cierto punto no figurativos del mundo plástico, cobró relevancia el principio del “arte por el arte”, derivado de las tesis deKant según las cuales el arte tenía su propia razón de ser.

La frase fue por acuñada en 1818 por el filósofo francés Victor Cousin; a su doctrina se adhirieron el críticobritánico Walter Horatio Pater y el pintor estadounidense James Abbott McNeill Whistler.

En Francia resumió el credo de los poetas simbolistas como Charles Baudelaire.

Apartir de entonces, el principio del arte por el arte pasó a ser esencial en la mayor parte de las vanguardias occidentales del siglo XX. 5 ESTÉTICA CONTEMPORÁNEA Cuatro filósofos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX aportaron con sus respectivos pensamientos las principales influencias estéticas contemporáneas. En Francia, Henri Bergson definió la ciencia como el uso de la inteligencia para crear un sistema de símbolos que describa la realidad aunque en el mundo real la falsifique.El arte, sin embargo, se basa en intuiciones, lo que es una aprehensión directa de la realidad no interferida por el pensamiento.

Así, el arte se abre camino mediante lossímbolos y creencias convencionales acerca del hombre, la vida y la sociedad y enfrenta al individuo con la realidad misma. En Italia, el filósofo e historiador Benedetto Croce también exaltó la intuición, pues consideraba que era la conciencia inmediata de un objeto que de algún modo representala forma de ese objeto, es decir, la aprehensión de cosas en lugar de lo que uno refleje de ellas.

Las obras de arte son la expresión, en forma material, de tales intuiciones;belleza y fealdad, no obstante, no son rasgos de las obras de arte sino cualidades del espíritu expresadas por vía intuitiva en esa misma obra de arte. El filósofo de origen español Jorge Ruiz de Santayana razonó que cuando uno obtiene placer en una cosa, el placer puede considerarse como una cualidad de la cosa en símisma, más que como una respuesta subjetiva de ella.

No se puede caracterizar ningún acto humano como bueno en sí mismo, ni denominarlo bueno tan sólo porque seapruebe socialmente, ni puede decirse que algún objeto es bello, porque su color o su forma lleven a llamarlo bello.

En su ensayo El sentido de la belleza (1896) propuso novedosos argumentos para una consideración fundamentada del fenómeno estético. El pedagogo y filósofo estadounidense John Dewey consideraba la experiencia humana como inconexa, fragmentaria, llena de principios sin conclusiones, o comoexperiencias manipuladas con claridad como medios destinados a cumplir fines concretos.

Aquellas experiencias excepcionales, que fluyen desde sus orígenes hasta suconsumación, son estéticas.

La experiencia estética es placer por su propio interés, es completa e independiente y es final, no se limita a ser instrumental o a cumplir unpropósito concreto. 5.1 Marxismo y psicoanálisis Dos de los más vigorosos movimientos contemporáneos, el marxismo en los campos de la economía y la política y el surgido de las doctrinas de Sigmund Freud enpsicología, rechazaron el principio del arte por el arte y reiteraron la dimensión práctica y funcional del arte.

El marxismo trata el arte como una expresión de la relacioneseconómicas subyacentes en la sociedad, y mantiene que el arte es importante sólo cuando es “progresista”, es decir, cuando defiende los valores de la sociedad en la cualse crea. Por su parte, Freud incidía en el valor terapéutico del arte, dado que a través de él, tanto el artista como el público pueden revelar conflictos profundos y descargartensiones.

Fantasías y ensueños, al intervenir en el arte, son transformados desde un escape psicológico hasta plantear diversas formas de concebir la vida.

En la pintura yla poesía surrealista, el subconsciente fue utilizado como fuente creativa.

La técnica de ficción centrada en la conciencia, patente sobre todo en los textos del escritorirlandés James Joyce, se derivaba no sólo de la obra de Freud sino también de Principios de Psicología (1890), obra del filósofo y psicólogo estadounidense William James, y del monólogo interior de las novelas de Édouard Dujardin. 5.2 Existencialismo El filósofo y escritor francés Jean-Paul Sartre abogaba por una modalidad de existencialismo en la que el arte fuera una expresión de la libertad del individuo para elegir, yde este modo demostrar la responsabilidad individual de su elección.

La desesperación, reflejada en el arte, no es un fin sino un principio porque erradica las culpas yexcusas por las que el individuo común sufre, y abre el camino para la auténtica libertad. 5.3 Controversias académicas Las controversias académicas durante el siglo XX han girado sobre el sentido del arte.

El crítico y semántico británico Ivor Armstrong Richards afirmaba que el arte es unlenguaje.

Sostenía que existen dos clases de lenguaje: el simbólico, que transmite ideas e información, y el emotivo, que expresa, evoca y estimula sentimientos yactitudes.

Consideraba el arte como un lenguaje emotivo que da orden y coherencia a la experiencia y a las actitudes, sin contener significados simbólicos.

La obra deRichards fue también significativa por utilizar determinadas técnicas psicológicas en el estudio de reacciones estéticas.

En Lectura y crítica (1929) describía experimentos que revelan que también los individuos muy cultos están condicionados por su educación, por las opiniones de los demás y por otros elementos sociales y circunstancialesen sus respuestas estéticas.

Otros autores han hablado de los efectos condicionantes de la tradición, la moda y otros factores sociales, notando, por ejemplo, que aprincipios del siglo XVIII las obras de William Shakespeare se consideraban como bárbaras y el arte gótico como vulgar.. »

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