Etude du tableau de Gustav KLIMT: Les Trois Ages

Gustav Klimt (Vienne, 1862 - 1918). Peintre autrichien. Fils d'un orfèvre et graveur, et d'une chanteuse lyrique, Gustav Klimt étudie à l'Ecole des Arts et Métiers de Vienne. En 1897, il fonde la Sécession viennoise : chef de file du groupe, il participe aussi au projet du palais de la Sécession, réalisé par l'architecte Joseph Maria Olbrich, et à la rédaction de la revue Ver Sacrum. Chez Klimt, s'allient un goût Art nouveau pour la décoration, avec des réminiscences de la peinture des préraphaélites et de Gustave Moreau, et l'intérêt pour une représentation fortement symbolique. Dans les fresques décoratives du grand amphithéâtre de l'Université de Vienne, réalisées en 1900-1902, l'artiste utilise des techniques et des matériaux des arts appliqués (l'or, l'argent, les mosaïques) en un ensemble allégorique consacré aux différentes branches du savoir. Avec la frise du palais Stoclet à Bruxelles (1909-1911), le processus de symbolisation par le truchement de l'élément décoratif est pleinement achevé. Les sujets (L'Arbre de la vie, L'Attente, Le Baiser), représentent des personnages dont les visages sont traités avec un réalisme intense, enchâssés dans un décor fait de matières précieuses et brillantes (Le Baiser, 1907-08, Vienne, Österreichische Gal., Judith II, 1909, Venise, Gal. Nat. d'Art Moderne). Arrivé à l'apogée de ce goût pour le décoratif, Klimt traverse une crise artistique et psychologique profonde, qui entraîne un renouvellement de son langage, désormais ouvert essentiellement aux possibilités expressives de la couleur (cf. Les Trois Âges, 1905, Rome, Gal. Nat. d'Art Moderne). Le dynamisme et les contrastes chromatiques de ses nouveaux tableaux (La Vierge, 1913 ; L'Epouse, 1917-18) révèlent une nette anticipation des courants expressionnistes et de ses rapports avec les deux plus importants représentants autrichiens de ce mouvement, Egon Schiele et Oskar Kokoschka. En même temps, Klimt s'oriente vers la peinture de paysage, qu'il avait abordée dès 1900. Dans ces tableaux, la figure humaine est exclue, et la vision rapprochée de particules de couleur extrêmement menues et infinies donne l'impression d'une suspension dans un instant de repos hors du temps (cf. Roses sous les arbres, Paris, Musée d'Orsay).